Personalización de las armónicas con Titanio

Personalización de las armónicas con Titanio

En el campo de las armónicas, sean tanto diatónicas como cromáticas, han existido y existirán muchos trabajos de mantenimiento y mejora en nuestras armónicas. Principalmente son mejoras en cuanto al ajuste de tolerancias, medidas y holguras de los espacios, pero también podemos realizar mejoras con la construcción y sustitución de componentes en las armónicas. En este primer articulo, voy a detallar el proceso de construcción de un cuerpo para una Hohner 270 de 12 canales, eligiendo como materia prima el metal mas moderno en cuanto a las propiedades mecánicas y ligereza de peso como es el Titanio.

Este metal tiene unas características elevadas en las tablas de dureza, una casi nula influencia a la corrosión y un peso molecular que si bien no sea perfectamente ligero como los plásticos y maderas, ofrece sobradas cualidades en su reducido peso.

De nuevo, indicamos que este trabajo ha sido realizado por una empresa del sector del Metal y Mecanizados, y este trabajo sobre estas piezas ha entrañado una extrema dificultad en algunas fases de su construcción. Sólo cabe describirlo como un trabajo “laborioso”, con parte el proceso se ha hecho por maquinas y herramientas de un taller comúnmente habitual, con diferentes fases realizadas por herramientas especiales a la vez que caras.

Las armónicas que utilizan estas partes metálicas como particularmente es el Titanio, empiezan el eterno debate de la modificación del sonido que puede ser resultante. Por diversas razones las armónicas diatónicas no resultan muy influenciadas en el sonido mientras se usan cuerpos/peines de Titanio, caso algo diferente con las cromáticas. Estas opiniones son muy objetivas y deberían de ser obtenidas individualmente, ya que este debate aun no terminado, sigue su proceso de reunión de opiniones autorizadas y en nuestro caso, próximamente será realizado un nuevo articulo sobre la influencia de los materiales que componen la armónica para una posible aclaración sobre el asunto. En cualquier caso, el resultado de estas armónicas se basa en la obtención de una excelente calidad en la creación de una armónica, basándose en la elección del mejor material metálico, resultando el Titanio, de longeva duración, aceptable ligereza y extraordinaria dureza. Sin duda, el resultado puede tener mas duración que nuestras propias vidas…

Para la construcción de cuerpos de titanio, en primer lugar adquirimos placa de Titanio eligiendo el Titanio mas puro posible, lo mas común y que en este caso se utilizo es grado 2 con una composición de 0,07 O2-0,10 Fe, el cual tiene una buena mecanización. El Titanio y sus aleaciones ya están firmemente establecidos como materiales para la construcción de aviones e industria aeronáutica, también en la industria química y petroquímica, actualmente en construcciones para tanques, secadores, reactores en las industrias de productos químicos y de blanqueo, grandes cambiadores de calor tubulares y de placas, bombas, válvulas, serpentines de calefacción, equipos de depuración de gases y equipos especializados en la producción de elementos de combustibles nucleares. Por otro lado el Titanio es resistente a la corrosión de la mayoría de soluciones electrolíticas en los procesos de acabado de metales. Los serpentines de Titanio, los calentadores por inmersión revestidos de Titanio y los cambiadores de calor tubulares de Titanio se emplean para calentar soluciones de cromado y niquelado. También en bastidores de anodizar se utiliza el Titanio por sus propiedades electroquímicas. La adaptación y falta de rechazo del Titanio al cuerpo humano son tan buenas, que se está utilizando para una amplia variedad de implantes quirúrgicos. También está muy en auge su utilización en implantes bucales.

Mas características están descritas en este proveedor:

http://www.technalloy.es

Para esta construcción de cromáticas no hemos optado por una chapa de 12 milímetros de altura y fresar las canales superiores e inferiores como comúnmente y anteriormente hemos hecho, esta vez, realizamos tres piezas por separado que posteriormente serán unidas en el cuerpo de la armónica. Empezamos con una chapa de 6 milímetros y otra de 1 milímetros que será la que realice la función de tabique separador entre las dos superior e inferior.

La chapa de 6 mm es cortada con nuestro propios diseños a través de un proceso actual de corte con agua y dirigido por control numérico por http://www.precisiondecorte.com el cual garantiza un corte perfecto, libre de rebabas y sin sometimiento a altas temperaturas.

Si bien este material tiene grandes y positivas características como su reducida oxidación, estos cuerpos han recibido un tratamiento superficial en forma de recubrimiento de Nitruro de Titanio, con su peculiar color amarillo-oro, procedimiento por el cual se le ofrece unas características adicionales a las superficies que son aplicadas. Este recubrimiento es ampliamente conocido y utilizado en el sector industrial para la mejora de las piezas que son tratadas con este tratamiento. Son muy conocidas las herramientas de corte de viruta con estos tipos de recubrimientos, moldes para matriceria, implantes médicos, etc…

Este moderno procedimiento y material es aceptado para el uso alimenticio, opción por la cual fue elegido, a continuación se adjunta el documento con el certificado de autorización de uso de este recubrimiento para la industria alimentaría.

Documento PDF: Certificado TiN 308K

Esto garantiza que el aspecto exterior va a tener una duración teóricamente superior al uso que será usado en estos cuerpos de armónicas y posiblemente sobreviva a la generación del que aquí escribe este documento. Este proceso aporta material tal cual conocemos anteriormente con toda la amplia gama de recubrimientos, 3 micras forma la medida estándar, sobre lo cual cualquier duda de estanqueidad entre la unión de las piezas queda resuelta con el sello de las uniones interiores con el aporte de este material mediante el recubrimiento. Toda esta información puede ser ampliada visitando la web de la empresa que ofrece estos servicios de recubrimiento:

http://www.balzers-elay.com

El Titanio también puede recibir un tratamiento superficial en forma de Anodizado, método también empleado en piezas decorativas, medicas, joyería, etc…

Cuerpo de Titanio adaptable a armónicas diatónicas

Cuerpo de Titanio adaptable a armónicas diatónicas Hohner

por Andrés Vicente

De nuevo partimos de la misma situación que para la construcción de cuerpos de los modelos cromáticos de Hohner, adquisición de chapa, diseño, corte y adaptación, mecanizado, rectificado, ajuste y por ultimo recubrimiento, para realizar cuerpos de titanio para las armónicas diatónicas Hohner..

La construcción de los cuerpos para armónicas es relativamente sencillo, pues tomando como partida los cuerpos de los modelos originales se aplican modificaciones para mejoras y mayor comodidad. Los modelos que aquí detallaremos abarcan los modelos mas comunes de la marca Hohner, desde los MS, las Classic y las golden Melody, siendo estos tres diseños los mas populares en la actualidad.

Marine Band Classic

MS System

Golden Melody

Con estos tres diseños son cortadas chapas para la obtención del cuerpo en bruto, tras el cual se le realizaran los agujeros por los cuales las placas de lengüetas son fijadas con tornillos entre si.

En la siguiente fase, el la cara inferior del cuerpo, se mecaniza una hendidura para obtener el espacio suficientemente libre para disponer la parte que sobresale de los remaches hacia los cuerpos, así como también tener espacio suficiente en caso de sustituir algún remache por algún tornillo en la fijación de la lengüeta, en cuyo caso, la cabeza de este tornillo quedaría alojada en este suficiente espacio.

En el siguiente paso se rectifica la cara frontal del cuerpo, dejando así mejor confort para el contacto con los labios y boca, así como son limados y lijados las aristas para obtener unas aristas redondeadas, de nuevo para nuestro mejor confort.

El resto de las caras también son limadas, lijadas o rectificadas en diversos puntos para un mejor manejo y perfecto terminado.

Los nuevos y recientes modelos Marine Band Classic DeLuxe también pueden recibir la sustitución de estos cuerpos, pues son nuevas armónicas basadas en las anteriores Marine Band Classic, únicamente algún agujero de tornillos del cuerpo debe ser agrandado o desplazado levemente, para así quedar montado este cuerpo.

Como parte final, los cuerpos reciben el recubrimiento TiN, obteniendo este resultado y aspecto final, del cual queda como precio final 125 Euros.

Música Irlandesa sobre la Armónica de Blues por Brendan Power

Música Irlandesa sobre la Armónica de Blues por Brendan Power

Una muestra del nuevo Libro/CD

Desde la realización de mi álbum “New Irish Harmonica” en 1994, he tenido numerosas peticiones de la gente en conciertos y a trabes de mensajes de correo electrónico para un paquete de instrucción que explicaría las técnicas y afinaciones que usé sobre el álbum. Muchos también pidieron me la ayuda en el estudio de las canciones grabadas en el, y tal como podrían tocar sobre el. Yo a menudo prometía a lo largo de los años anteriores contestar aquellas peticiones, y ahora finalmente he tenido el tiempo para sentarme y terminarlo. El libro y el CD usan varias de las canciones de “New Irish Harmonica” como una base para el estudio.

El paquete consta de:

– 55 PISTAS EN CD: Muchos canciones y ejercicios, tocadas despacio y en velocidad normal
– LIBRO DE 52 PAGINAS con información detallada de tocar, fotos, música transcrita y tablatura de armónica.
– Dos armónicas para tocar la música en D y G, especialmente afinada a mi afinación de Richter

Entre los temas cubiertos son:

– Los principales tipos de melodías, con ejemplos
– Como jugar ornamentos irlandeses y decoraciones sobre la armónica diatónica
– Modos y escalas pentatonicas en música irlandesa
– Tocar canciones en conjunto
– Tocar canciones en claves diferentes y posiciones
– Explicación de afinación de Richter
– Tocar con soltura en la octava superior
– Tocar continuamente sin parada
– Asesoramiento básico para principiantes

En este artículo presento una muestra de que puede ser encontrada en el libro (en Ingles), así como tres pistas del acompañamiento el CD.

¿POR QUÉ EL ARMÓNICA DE BLUES PARA MÚSICA IRLANDESA?

La música tradicional irlandesa puede ser aprovechado de todos los tres tipos de armónica solista: cromática, double-reed diatónica, y single-reed diatónica. Yo toco la cromática y la común armónica diatónica de 10 agujeros, también conocida como el armónica corta o el armónica de Blues-Harp (“Harp” es un empleo de músicos de armónica en término para referirse a cualquier clase de armónica – no pregunten por qué …).

Para hacer cosas simples, decidí apuntar el paquete de instrucción a solamente con la armónica de blues. Más tarde, completaré un método de instrucción para mi acercamiento al tocar de la música irlandesa sobre la armónica cromática.

Armónica Cromática, Tremolo y Blues Harp

La pequeña diatónica de diez agujeros es el instrumento musical más vendido en el mundo por unidades (aproximadamente 20 millones vendidos cada año). Es conocida como el armónica de blues porque su terreo, llorado sonido se ha unido inseparablemente para el blues desde los principios más tempranos de la música, desde el blues acústico de Sonny Terry al Chicago amplificado del sonido de gigantes como Little Walter.

Esto era la espiritualidad innata del armónica diatónica que atrajo a los músicos de blues al instrumento – pero menos conocido que el armónica de blues es también la maravillosa música irlandesa y música Celta. La naturaleza emotiva, ardiente de las melodías de baile tradicionales y lentos aires de instrumento tan expresivo, la afinación única y cercanos agujeros d el armónica de blues hace esto un poco más fácil de tocar las rápidas frases y saltos de intervalo difíciles y complicados que sobre otros tipos de armónica. Sin embargo, la armónica diatónica es como un niño pequeño sobre un estilo dominado por el violín, la flauta, el silbido y demás, y el toque de técnicas están todavía en un estado interesante de descubrimiento y de evolución. Hay varios accesos adoptados por pequeñas bandas pero creciente entre los armonicistas quienes experimentan con el armónica de blues en la música irlandesa y otra música Celta, incluyendo embocaduras diferente usadas (ejemplo la lengua que obstruye -tongue blocking- contra un solo agujero -puckering ó single hole-), varias afinaciones, y las diferentes clases de decoraciones.

Unos los maestros de diatónicas de los que he aprendido son: Pip y John Murphy de Wexford, armonicistas verdaderamente de raíz y grandes estilistas; Rick Epping, el que a menudo toca el armónica diatónica en su evocador toque de concertina; y Mark Graham, de quien pueden oír el trabajo muy diestro con el violinista Kevin Burke. Ud. también puede aprender mucho sobre como usar el instrumento de músicos de armónica diatónicos en otros estilos relacionados de música, como el Bretón, el canadiense Escocés, francés, Nothumbrian, Appalachian etc.

Hohner Marine Band – el armónica de Blues Clásica

De estos y otras influencias he desarrollado mi propio acercamiento durante los años, y los concentrados en este paquete de libro/CD es la explicación y demostración de ello. Esto es realmente un método de instrucción para como tocar la música irlandesa sobre el armónica de blues, y no como tocarlo – como hay siempre más de una manera. Si le gusta el instrumento y la música, debería usar cada oportunidad de escuchar el toque de otros en el mismo campo, e intentar desarrollar su propio estilo único de todas las ideas las que Ud. recoge. Y no restringirse a músicos de armónica – escuchan el violines, la caja “Box”, el silbido etc.

LAS CLAVES QUE USTED NECESITA

En lo que la música irlandesa va, la manera en que la afinación de la armónica de blues es establecida lo hace lo fácil de tocar en la clave de la armónica para melodías de escala mayores. Esto es lo que los armonicistas llaman “straight harp”, pero en términos generales musicales es mejor llamado el modo Ionian.

Las melodías menores están casi invariablemente en cualquier el modo de Dorian (llamado 3ª Posición), o el modo Eólico (4ª Posición). Hay también alguna extraña canción en el modo Mixolidio (“cross harp”, o la 2ª posición), y algunas melodías tienen en las escalas pentatonicas (las escalas que se usan 5ª y 7ª de la escala, y puede sonar Mayor o menor). Ud. conocerá como suenan estos modos más adelante.

Las dos armónicas principales las que necesitará para la música tradicional irlandesa están en las claves de D y G. Esto es porque las melodías más tradicionales irlandesas han sido compuestas y aprovechado del violín, aquellas son las claves fáciles y más cómodas principales para aquel instrumento.

Sobre estas dos armónicas Ud. será capaz de tocar fácilmente en la llave principal y varias claves relacionadas o modos, sin bendings u overblows.

Armonica de D

Modos Comunes: D (Ionian), Em (Dorio), Bm (Eólico)
Menos Común: A ( Mixolidio), G (Lidio pentatonico), F#m (Frigio pentatonico)

Armonica de G

Modos Comunes: G (Ionian), Am (Dorio), Em (Eólico)
Menos Común: D (Mixolidio), C (Lidio pentatonico), Bm (Frigio pentatonico)

TABLATURA Y NOTACION MUSICAL

Hay diferentes maneras de escribir la tablatura de armónica, pero el sistema que he adoptado en el libro emplea los números para indicar el canal de aire sobre la armónica (1-10), y simplemente más o menos símbolos encima del número para indicar el aliento. Un símbolo más (+) significa soplar el agujero indicado, y un signo menos (-) aspirar el agujero de indicado. Así es como se muestra:

+ – – + +
7 7 6 6 5

Esto significa: haga soplar el agujero 7, aspirar el agujero 7, aspirar 6, soplar 6, soplar 5. Esto realmente es muy simple, y Ud. pronto se hará bastante rápido en la lectura de la tablilla. La tablatura no muestra la duración de nota u otras inflexiones; Ud. puede conseguir aquella información tras escuchar al CD y leer los puntos estándar musicales. Como todas las formas de notación de música esto no es un fin en sí mismo, solamente una guía para ayudar encontrar las notas sobre la armónica, entonces Ud. puede lanzarse y realmente tocar.

TRES CANCIONES DE MUESTRA DEL LIBRO

Obviamente en el libro hay mucha información a fondo sobre como conseguir una nota limpia y el buen tono sobre la armónica, con ejercicios simples para ayudar a comenzar. Una vez que Ud. ha dominado lo básico, hay un ejercicio y dos de las canciones que son exploradas detalladamente en el libro.

SLIDE FILL TRIPLETS (Armonica en G)

Esto es de la sección extensa sobre como ornamentar las melodías, demostrando una figura de trill común. En el clip de audio del CD, el número es tocado despacio al principio y luego más rápido, hacerlo más fácil de aprender.

ESCUCHA COMO ESTO SUENA SOBRE LA ARMONICA DE BLUES

THE MAIDS OF MITCHELSTOWN (Armonica de G)

Me enseñaron esta canción tradiional por el músico de armónica de Dublín Mick Kinsella, y esto se ha hecho una de mis canciones irlandesas favoritas; yo podría tocarlo por siglos sin aburrirme. Note que pulidos suenan las tripletas (trills) usados otra vez, y la variación de ornamentación de movimiento rápido de mandíbula con trills de lengua etc. Siga variando su decoración para mantenerlo interesante para Ud. y el oyente.

A mí las “The Maids…” suenan dulces en un ritmo fácil, como esto permite conseguir el alma suplementaria de las notas, sobre el agujero 6 aspirado la nota A. Sin embargo, lo oirá esto a menudo tocar en la velocidad rápida de sesiones.

No hay ningunas difíciles y rápidas reglas sobre los ritmos de las canciones. Obviamente si Ud. esta en una sesión de Púb. y alguien empieza a tocar una canción tradicional que Ud. conoce, es importante tener los cortes para mantenerse si quiere participar. Pero si Ud. tocando en su propio concierto o solo, solamente toca a ellos como se siente y sonara mejor.

ESCUCHA COMO SUENA SOBRE LA ARMONICA DE BLUES

SWEENY’S POLKA (ARMONICA de G)

Las polcas parecen a menudo infantiles en la simplicidad de sus melodías, pero no los pasan por alto debido a esto. Como la melodía es tan básica, Ud. realmente puede concentrarse en la muestra, y ellos pueden convertirse casi hipnóticos en su conducción e intensidad.

ESCUCHA COMO ESTO SUENA SOBRE LA ARMONICA DE BLUES

Puedes averiguar más, o pedir el paquete con mis métodos de armónica en línea a trabes de mi pagina, comprueba si estás interesado, Brendan Power Website:

http://www.brendan-power.com

Aquí encontraras información, fotos, métodos y libros, muestras de audio, armónicas personalizadas y discos que no están disponibles en ningún otro lugar.

Traducido y usado con el consentimiento del autor. Derechos de autor: Brendan Power

Descubriendo la armónica por David Garcia

Descubriendo la armónica, por David Garcia

Antes de que comencéis a leer, queridos aficionados al blues con inquietudes armoniqueras, vaya por delante la siguiente advertencia: es éste un escrito completamente subjetivo, personal e intransferible, y por tanto surtido de opiniones y enjuiciamientos que quizas no coincidan con los vuestros propios, ni necesariamente con los de la administración de esta web (de lo cual evidentemente no se hacen responsables los administradores). Probablemente podría haber escrito algo más aséptico y despersonalizado, pero simplemente no me apetecía, así que he aquí lo que mi mente calenturienta tiene que decir por el momento sobre éste nuestro instrumento, la armónica.

Un principio como otro cualquiera puede ser el aclarar de antemano que la grafía correcta es armónica, esto es, sin h y con tilde en la o. Es habitual encontrar escrito harmonica, por ser así como los sajones lo hacen y muchas veces por desconocimiento de la existencia de una palabra propia en nuestro idioma. Y sí, cuando veáis u oigáis por ahí la palabra harp, también se refiere a la armónica (viene de French harp, si bien no se sabe a ciencia cierta por qué surgió esta expresión, y en algunas ocasiones os podéis encontrar la expresión mouth harp, o arpa de boca, que es otra forma, más antigua y en desuso, de referirse a ella).

Dicho esto, y como aunque la voluntad es grande, pero el tiempo y los conocimientos son escasos, no pretendo escribir un tratado completo sobre la armónica, ni un método de aprendizaje (bastante tengo con aprender yo), ni una historia de la armónica en el blues, ni nada por el estilo, aunque estaría bien, dada la carencia de buenos libros al respecto en español (animo desde aquí a quien posea el tiempo y los conocimientos necesarios a enmendar esta falta). Como suele suceder, en inglés hay libros a patadas, así que si algún angloparlante está interesado, luego hay una pequeña bibliografía, en la que, también como suele suceder, no están –ni mucho menos­­- todos los que son, pero sí son todos los que están. La opción que he elegido para darle un mínimo de coherencia formal a mis desvaríos es una especie de compendio de respuestas a las dudas que he observado que con más frecuencia asaltan la mente de quienes por primera vez se acercan al mundo de la armónica: una lista de FAQs (Frequently Asked Questions), como dicen los guiris. Cualquier duda que tengáis y no se haya incluido podéis consultarla libremente con un mail a [email protected] Si sé responderla, lo haré encantado, y se haría la oportuna actualización del documento que estáis leyendo. Así pues, empecemos…

¿Qué es una armónica?

Una armónica es un instrumento (musical). Su sonido procede del desplazamiento de una columna de aire que hace vibrar unas lengüetas metálicas que se encuentran en su interior. Ésta era fácil, jeje…

¿Es fácil tocar la armónica?

Digamos que tocar la armónica es muy fácil, debido a que cualquiera que haya tenido una en sus manos y la haya soplado habrá observado que suena, y que no lo hace cacofónicamente, al contrario de lo que pasa si uno le da zarpazos aleatoriamente a un piano o una guitarra. Eso es debido a la distribución de las notas a lo largo del instrumento (hablaremos de eso después), y es la causa, además de ser un instrumento barato, de que sujetos como Bob Dylan, Bruce Springsteen, Van Morrison o, a nivel local, el ínclito Ramoncín, perpetrador del riff más inefable de todos los tiempos en su hit internacional “Litros de alcohol”, hayan trascendido al público general como armonicistas, y la gente se crea que tocan bien…Lo realmente complicado, por tanto, no es tocar, sino tocar bien. Aprovechar convenientemente la versatilidad del instrumento, mucho mayor de lo que a priori se podría pensar, no es tarea sencilla, y requiere dedicación y esfuerzo (algo que parece que nuestros amigos de arriba no están muy dispuestos a desperdiciar, teniendo en cuenta el enorme gasto de energías que les produce componer sus poemas cantados –por decir algo-, ensalzar el American way of life y las virtudes de los maravillosos EEUU o participar en animadas e intelectuales tertulias televisivas tras años de micciones sobre las cabezas del público extasiado).

¿Qué clases de armónicas existen?

Las armónicas más conocidas y de uso más extendido son las llamadas diatónicas, también conocidas como “armónicas de blues”. Tienen diez agujeros (aunque también las hay de doce o incluso catorce), cada uno con dos lengüetas, una para el sonido aspirado y otra para el soplado, y una afinación Richter o diatónica (ver afinaciones más adelante). Sin embargo, éstas no son sino la punta de un iceberg de armónicas que pueden no tener nada que ver con éstas salvo que suenan al vibrar una (o varias) lengüetas de metal. Hay armónicas cromáticas, octavadas, trémolo…, y continúan apareciendo nuevos tipos de armónica, como las overblow.

Las armónicas cromáticas son ésas que tienen una “palanquita” en un extremo. Su afinación es distinta a la de las diatónicas, sus lengüetas están cubiertas por unos trocitos de plástico llamados en inglés valves (se me hace raro llamar a esas cosas válvulas, de ahí que dé el nombre en inglés), y las hay de 10, 12 y 16 agujeros.

Hohner Chromonica64

Se utilizan, además de para el blues, para tocar jazz y clásica. Alguna vez os habréis preguntado para qué sirve esa palanquita. Pues simplemente, la nota que se obtiene en cualquier agujero con ella pulsada es medio tono más alta que la que se otiene sin pulsarla. Eso permite tener fácilmente disponibles todos los semitonos de cualquier escala. Existe (mas bien existía, porque yo no conozco ningún sitio donde todavía se venda) un modelo de armónica cromática sin palanca. Consiste esencialmente en una armónica de casi medio metro de largo en la que cada agujero da, soplando, medio tono más que el agujero anterior. De ahí que se necesiten tantos agujeros para cubrir varias octavas de medio tono en medio tono y la armónica sea tan larga. Curiosamente, en esos agujeros sólo se puede soplar, no hay notas aspiradas.

Existen también unos modelos de armónicas de diez agujeros que tienen “palanquita”, pero cuya afinación es diatónica: las Hohner Koch y Slide Harp. Se supone que se crearon para aportar más versatilidad a la armónica en su uso para el blues, de forma que su afinación diatónica permitiera por medio de los bendings (ver más adelante) obtener ese sonido característico del blues, y además se le añadiera la comodidad de poder subir medio tono la nota de cada agujero por medio de la palanca. La única diferencia entre la Koch y la Slide Harp es que ésta tiene algunas de sus lengüetas provistas de las “válvulas” de las que hablábamos antes, lo que le confiere un sonido algo distinto. Por cierto, por si os lo preguntáis, la forma en la que la palanca sube medio tono la nota es muy sencilla: en lugar de haber dos lengüetas por agujero, en las diatónicas hay cuatro: dos para soplar y dos para aspirar, uno de los pares afinado medio tono por encima del otro. Lo que hace la palanca es obturar una u otra parte del agujero, descubriendo así un juego de lengüetas u otro.

Las armónicas octavadas también tienen cuatro lengüetas por agujero, solo que tanto soplando como aspirando suenan dos a la vez. Además, de esas dos que suenan en cada caso, una está afinada una octava por encima de la otra, con lo cual se produce un sonido octavado al tocar: siempre suenan al mismo tiempo una nota y su correspondiente octava. Las armónicas trémolo son muy parecidas, con la diferencia de que en lugar de estar en cada agujero uno de los pares de lengüetas una octava por encima del otro, en éstas están solamente un poco (unos pocos hertzios, ni siquiera medio tono) por encima, con lo cual al tocar se produce un efecto de trémolo. Estos dos tipos de armónicas se utilizan principalmente para tocar folk, aunque ha habido armonicistas de blues que las han usado en sus discos.

Las armónicas overblow son un poco más complejas de describir. Cuando hable acerca de la técnica del overblow procuraré acordarme de hablar de ellas.

Finalmente, cada uno puede crearse su propio tipo de armónica. Basta con afinar la que tenga según le apetezca (sí, una armónica se puede afinar). Si os hacéis armonicistas reconocidos y convencéis a alguna marca de que comercialice vuestra armónica podéis sacaros una pasta. Así lo hizo Steve Baker, y ahora hay una Hohner Marine Band Steve Baker Tuning. Hay también afinaciones menores, afinaciones country…en fin, para escoger lo que queráis.

¿Qué armónica me compro para empezar?

Bueno…lo habitual es comprarse una diatónica de las de diez agujeros. El mercado está inundado por Hohner, pero hay otras marcas. Posiblemente la que más se conozca, aparte de Hohner, sea Lee Oskar. Hay otras: Huang, Suzuki, Hering…pero esas sólo las podéis pillar, que yo sepa, a traves de internet. En las tiendas encontraréis unos pocos modelos de Hohner y con suerte, alguna Lee Oskar. Entre estas dos marcas hay una discusión interminable, como la de Fender vs. Gibson: Hohner vs. Lee Oskar. Pero antes de seguir, veamos cómo es una armónica por dentro*:

*Por cortesía de Steve Baker, The Harp Handbook ©1989

– Cubierta superior
– Placa de lengüetas superior
– Peine
– Placa de lengüetas inferior
– Cubierta inferior

Como veis, es bien sencillo…Y ahora las diferencias entre modelos y marcas. El dibujo corresponde a una Hohner Meisterklasse. Se supone que es la mejor diatónica de Hohner, vale unas 9000 pelas. El peine es de aluminio y las lengüetas de mayor calidad que las del resto de modelos. De éstas llevaba el impresentable de Bruce Willis dos maletines llenos cuando quiso hacernos creer que sabía tocar la armónica en cierto programilla de televisión. Será raro que os las encontréis en vuestra tienda habitual. Sigamos con Hohner.

Si os gusta que el peine sea de plástico tenéis con bastante disponibilidad la Pro Harp, una que distinguiréis bien porque tiene las cubiertas negras. Unas tres mil y poco. La Cross Harp es un poco mejor. También es negra y su peine es de plástico dorado, pero las lengüetas son mejores. Anda sobre las cinco mil.

Hay otros modelos con el peine de plástico (Big River Harp, American Ace…) pero no merecen la pena. De todas formas, el modelo con peine de plástico más utilizado de Hohner es la Special20. Las cubiertas son plateadas y su calidad es en EEUU algo superior a la Pro Harp, pero aquí no (luego explicaré por qué). Pero sin duda las más conocidas y usadas de Hohner son sus dos modelos con peine de madera: la Marine Band y la Blues Harp (algo menos de 3000 y algo más de 3000 pelas, respectivamente).

Hohner Marine Band

Hohner Blues Harp MS

Respecto a peine de madera vs. otros materiales, eso va según los gustos…el peine de plástico es ligeramente más cómodo que el de madera, pero éste le da otro tono al sonido, además del sabor, el tacto con la lengua…no sé, como os digo, cada uno tiene sus preferencias. A mí, por ejemplo, me gusta mucho más la madera.

Y una vez hayáis elgido el material, ¿cuál escoger?. Salvo las que comenté que tenían lengüetas especiales, hoy por hoy la cosa es así de fácil: la que más guapa os parezca; suenan exactamente igual. Desde hace algún tiempo, Hohner monta en la Pro Harp, Special20, Blues Harp y Marine Band las mismas placas de lengüetas. ¿Por qué es esto así?. Pues porque a Hohner le dio un día por implantar lo que llamaron Modular System (MS). Me explico: observaréis que las cubiertas van atornilladas entre sí por los tornillos que aparecen en la figura. A su vez, aunque no se vea, las placas van a su vez atornilladas al peine. Esto permite intercambiar componentes, poner un peine de una Marine Band con unas cubiertas de Pro Harp y unas placas de Cross Harp (la cross harp es la única MS que monta unas placas distintas, con mejores lengüetas), por ejemplo. Antes no era así, cada armónica venía unida con remaches en lugar de tornillos, y cada modelo tenía sus propias placas. Así, las Marine Band antiguas sonaban distinto a las Blues Harp y duraban más (de hecho, las Marine Band son, si queréis, las “genuínas” armónicas de blues, puesto que son las que usaron todos los grandes; Hohner lanzó en su momento las Blues Harp “específicamente” para blues, ya que el hecho de que sus lengüetas fueran ligeramente más finas, permitía hacer bendings -ver más adelante- con más facilidad; justo por eso se rompían antes). En Estados Unidos aún no se ha implantado por defecto el sistema MS y casi todo lo que hay es a la vieja usanza. Por aquí las antiguas son escasas, de vez en cuando se encuentra alguna tienda a la que le queda alguna suelta. Para distinguirlas, simplemente hay que mirar a las cubiertas: si tienen un tornillo a cada lado son MS; si tienen dos remaches a cada lado son de las antiguas (Hand Made –hechas a mano-, que las llaman los de Hohner). Y si no, en todo caso, las MS tienen grabadas las siglas MS en la cubierta.

Así que por parte de Hohner esto es lo que hay. En lo que a mí concierne, uso casi siempre Marine Band, aunque sólo sea por nostalgia de los antiguos, jeje…Y si puedo pillar de las antiguas, mejor, porque esas sí que suenan como a mí me gusta.

Respecto a Lee Oskar, todos sus modelos llevan piezas completamente intercambiables y montan peines de plástico.

A diferencia de las Hohner, los recambios de las placas de lengüetas sí están disponibles en las tiendas de música españolas (Hohner tiene recambios, pero por alguna razón no se distribuyen por aquí), evidentemente a menos precio que una armónica nueva. Lee Oskar fabrica cuatro modelos distintos de diez agujeros: Major diatonic, Melody maker, Natural Minor y Harmonic minor (Hohner también tiene modelos con afinaciones menores, pero son difíciles de encontrary además no me acuerdo de cómo se llaman…).

Despiece de una Lee Oskar

La única diferencia existente entre ellas es la afinación. La más habitual, como podréis suponer, es la Major diatonic. Las otras son variaciones, todas ellas diseñadas para poder tocar en segunda posición (ver más adelante), que es a la que uno se acostumbra porque es la más normal, con facilidad en modos y estilos en los que de otra forma se haría complicado tocar con la afinación diatónica. En mi opinión son armónicas para vagos, pero es sólo una opinión…A lo que debería(mos) aspirar todos a los que nos gusta esto de la armónica es a poder tocar lo que sea con una diatónica. Poder se puede, pero es muy, muy difícil…Yo no conozco personalmente a nadie que pueda, así que por otra parte me parece lógico que tengan salida estos modelos. Las diferencias respecto a las Hohner son principalmente tres: precio, sonido y facilidad de toque.

Armónica Lee Oskar sin destripar

Las Lee Oskar valen unas cuatro mil y pico pelas, aunque los recambios de placas son algo más baratos, claro. Tienen un sonido, digamos, más brillante, incluso a veces, para mi gusto, chillón, que las Hohner. Ahí entran, por tanto, los gustos de cada cual entre un sonido u otro. Lo mejor que se puede hacer es comparar, desde luego, osea, comprar la Hohner que más os guste y una Lee Oskar en el mismo tono y ver cuál os convence más. Es más barato que comprarse una Les Paul y una Telecaster para decidir cuál va a ser vuestra guitarra…Y en cuanto a su dureza (entendiendo por dureza lo que cuesta hacer un bending) son unas armónicas bastante blandas, más que las Marine Band y desde luego más que las antiguas Marine Band, y sorprendentemente, no por ello duran poco.

Charlie Musselwhite decía en una entrevista que le duran como tres veces más, creo recordar, que las Marine Band… Claro que a Charlie Musselwhite los de Lee Oskar le pagan por promocionar sus armónicas… En cualquier caso, sí que es cierto que son bastante duraderas, sí, aunque no tengo datos numéricos porque mi cantidad de Lee Oskars es muy reducida como para hacer un estudio.

¿Cómo se distribuyen las notas en una armónica?

La distribución de las notas o afinación de una armónica depende del tipo que sea. Las dos afinaciones más comunes son la diatónica o Richter y la cromática. En primer lugar, utilizaré la notación habitual para las tonalidades y las notas, esto es, C, D, E, F, G, A, B, que corresponden, respectivamente, a Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si. Supongamos que tenemos una armónica diatónica en Do (C). Su afinación es:

Lo que permite esta afinación es que tanto soplando como aspirando se tengan acordes propios de la tonalidad de Do. Como yo no tengo ni idea de armonía ni teoría musical no puedo deciros los nombres de los acordes, pero a poco que os fijéis en la tabla y a poco que sepáis podréis identificarlos perfectamente (CEG, DGB, …). En principio la afinación Richter fue creada para que con una armónica en Do se tocaran canciones que estuvieran en Do, lo que hoy en día conocemos como tocar en primera posición o “straight harp”, pero posteriormente se descubrieron muchas más posibilidades, siendo la más destacada y a la vez la más usada en el blues el hecho de tocar en la quinta del tono del que está la armónica, esto es, por ejemplo, con una armónica en Do, tocar en Sol. Es lo que se llama segunda posición o “cross harp”, pero de eso hablaremos más adelante. Esto por lo que respecta a una armónica en Do. Para obtener la tabla de cualquier otra armónica basta observar los intervalos entre notas que hay en la tabla anterior y tener en cuenta que el primer agujero soplado da siempre la nota en la que está afinada la armónica. Cosa curiosa, si alguna vez intentáis afinar una guitarra a partir de una armónica y después váis a comprobarlo con el afinador, veréis que vuestra guitarra no está perfectamente afinada. Eso es porque el patrón de afinación de las armónicas Richter no sigue el tradicional de los 440 Hz del La, sino que hay una ligera desviación en las frecuencias.

Observaréis que faltan notas en lo que uno esperaría que fuera una escala normal do-re-mi-fa-sol-la-si. Por ejemplo, en la octava baja de la armónica, es decir, en los agujeros del 1 al 4, faltarían el Fa y el La, aparte de todos los semitonos intermedios. Pues el hecho es que las notas estar están, pero digamos que están “ocultas”. De las veinte notas que se pueden dar de forma natural, un armonicista técnicamente (muy) hábil es capaz de pasar a poder dar nada menos que 42 notas. Eso es posible a través de lo que se llaman bendings, overblows y overdraws, que veremos después. Un armonicista normal debería ser capaz de obtener unas 33 notas sin demasiados problemas (todas las notas “naturales” + todos los bendings + overblow en el agujero 6, que es el más fácil).

En una armónica cromática las cosas son mucho más sencillas: todas las notas están ahí, no se requiere ninguna técnica especial para sacarlas, claro que luego hay que saber usarlas…Por ejemplo, la afinación de una cromática de dieciséis agujeros, la más habitual, sería:

Como se ha dicho antes, existen otras afinaciones, como las menores (noten los que sepan del tema que los acordes que se obtienen en una Richter son mayores en la primera y segunda posición, o al menos eso tengo entendido…), aparte del hecho de que cada uno puede crear sus propias afinaciones. Comentaremos más adelante cómo afinar una armónica.

¿Cómo funciona una armónica?

En principio, el funcionamiento de una armónica es sencillo: las lengüetas que están en su interior vibran al paso de una columna de aire, ya sea producto de un soplido o de una aspiración. Según la longitud y peso de cada lengüeta, ésta vibrará con una determinada frecuencia, que produce un sonido en una determinada longitud de onda. Así, una armónica no es más que un conjunto de lengüetas de longitud y peso variables cuya vibración produce determinadas notas. La pregunta lógica es ¿por qué no suenan las dos lengüetas de un mismo agujero cuando soplamos o aspiramos por él?. Cuando desmontéis una armónica podréis ver la respuesta: las lengüetas están colocadas de forma opuesta. La lengüeta que suena al soplar tiene el extremo libre hacia la parte posterior de la armónica, mientras que la que suena al aspirar lo tiene hacia la embocadura, y una lengüeta vibra con su frecuencia natural cuando la columna de aire va desde el extremo fijo hacia el extremo libre. Vale, sí, es una perogrullada, pero me parecía conveniente contarlo. Lo curioso del caso es que esto no es siempre así. De hecho, el fundamento físico de los bendings y overblows se basa en que, cuando la presión de la columna de aire que pasa por el agujero es suficiente, las lengüetas pueden vibrar respondiendo a un flujo en sentido opuesto al que de forma natural responderían. Esto lo veremos a continuación.

¿Qué es un bending?

Bueno, pues sí, después de dar la coña todo el tiempo con los bendings, al fin explicaré lo que son. En el poco tiempo que llevo con esto de la armónica me he encontrado con gente que me pregunta cómo es eso de que esté sonando una nota y de repente, sin dejar de sonar, esa nota suba o baje así, como quien no quiere la cosa. Bueno, pues eso es esencialmente lo que se hace con los bendings, subir y bajar a partir de una determinada nota, exactamente igual que se hace con una guitarra. Esto es lo primero que un aspirante a armonicista debe dominar tras ser capaz de hacer sonar los agujeros individualmente y por grupos. Por medio de los bendings es posible obtener notas que de forma natural no es posible. Concretamente, en una armónica diatónica afinada en Do, se obtendrían las siguientes notas:

Observad que en los agujeros en los que es posible hacer bendings hay un intervalo entre las notas sopladas y aspiradas de al menos un tono entero, y a través de los bendings se obtienen todos los semitonos intermedios, ya sea aspirando si es que la nota soplada es más baja que la aspirada, o soplando, si se da el caso contrario (con el bending siempre se baja el tono de la nota natural). Por ejemplo, en el agujero tres, hay un intervalo de tres semitonos entre la nota soplada, Sol, y la aspirada, Si. Por tanto, aspirando se pueden obtener todas las notas intermedias, es decir, Si bemol, La y La bemol.

Antes de intentar (nótese el grado de tentativa) explicar de forma escrita cómo se hacen los bendings, voy a explicar por qué se hacen, o, mejor dicho, por qué suenan. La cosa es más sencilla de lo que parece, y podréis encontrar una explicación más detallada en las últimas ediciones del libro de Steve Baker (echad un vistazo al final para ver la referencia completa). Resulta que cuando se hace un bending, por ejemplo, aspirado, la que suena no es, como cabría esperar, la lengüeta propia de la nota aspirada, sino la otra, la que corresponde a la nota natural soplada. Esto sucede porque cuando la presión de la columna de aire excede un cierto límite y la caja de resonancia que forman la boca y el aparato respiratorio adoptan una forma distinta, la lengüeta que está sonando mientras aspiramos para de vibrar, se bloquea y comienza a vibrar la lengüeta opuesta con una frecuencia mayor que con la que responde de forma natural. Por ejemplo, en el segundo agujero, si aspiramos suena un Sol, que es la nota que da la lengüeta de abajo, la que corresponde al sonido aspirado. Si progresivamente se aumenta la presión de la columna de aire y se cambia la forma de la caja de resonancia, la lengüeta de arriba (la que sonaría si se soplara normalmente) comienza a vibrar, a la vez que la de abajo deja de hacerlo. Sin embargo, en lugar de vibrar con la frecuencia correspondiente al Mi, lo hace con una frecuencia correspondiente al Fa sostenido, y si se aumenta aún más la presión, llega al Fa. De hecho, si se abre la armónica y se tapa con el dedo la ranura de la lengüeta aspirada y se aspira fuerte, solamente sonará la nota correspondiente al bending. De forma análoga pasa cuando los bendings son soplados: deja de sonar la lengüeta que suena al soplar y empieza a sonar la de la nota aspirada.

¿Cómo se hace un bending?

Aaaaaaahhhh…Buena pregunta, sí…La cosa, a pesar de ser sencilla una vez que se descubre y se controla, es terriblemente complicada de explicar. Lo mejor, desde luego, es tener delante a alguien que lo haga para oir cómo debe sonar lo que se tiene que hacer. Básicamente la idea consiste en adaptar la forma de la cavidad de resonancia (osea, de la boca y la garganta) para conseguir que resuene una nota más grave de la que de forma natural se produce en el agujero en el que se esté intentando el bending, a la vez que se aspira o sopla con más fuerza de lo habitual. Para conseguir esto hay que bajar la mandíbula y echar la lengua un poco hacia atrás y hacia abajo, pero sin que la embocadura pierda presión de sellado sobre la armónica, más bien al contrario. Para empezar, el más fácil es el bending del agujero cuatro aspirado. Los bendings soplados son algo más complicados, pero no mucho más, y la forma de conseguirlos es esencialmente la misma, salvo que en vez de aspirar hay que soplar (gracias, Perogrullo). No sé qué más decir, salvo que se intente una y otra vez hasta que salga…Ya dije al principio que esto no pretendía ser ningún curso de armónica, y el que avisa…

¿Qué son los overblows y overdraws?

Esencialmente se trata del mismo efecto físico que el del bending, salvo que lo que se consigue, en lugar de bajar el tono, es subirlo. En un overblow, si se hace algo parecido a lo que se hace en un bending soplado sobre el canal del agujero que se esté soplando, la lengüeta de soplado irá bloqueándose y comenzará a vibrar la de aspirado, como cabría esperar, a una frecuencia superior a la suya. Lo que pasa es que como en los agujeros en los que se pueden hacer overblows la nota aspirada es más aguda que la soplada, el efecto que se consigue es subir al menos un tono. Por ejemplo, el agujero seis: en este agujero la nota soplada es un Sol, y la aspirada un La. Al hacer un overblow, dejará de sonar el Sol de la lengüeta de soplado y sonará la lengüeta de aspirado por encima de su afinación, esto es, dando un Si bemol, con lo que hemos subido un tono y medio. El overdraw es exactamente lo mismo, pero aspirando. En total, se pueden hacer los overblows y overdraws que aparecen en la tabla.

De esta forma, alguien que maneje con precisión las técnicas de bending, overblow y overdraw puede llegar a tocar una armónica diatónica de forma completamente cromática. Ojo, que esto de los overblow/draw es bastante más complicado que los bendings, así que despacito y buena letra, que dicen por ahí…

¿Qué es eso del “tono”?

El tono es, a mi juicio, lo más importante y personal que puede tener un armonicista, es lo que le imprime carácter a la hora de tocar. Viene a ser algo asi como el “sonido” característico de un armonicista, y no depende de qué armónicas, qué micro o qué amplificador utilice, sino de sí mismo, de su cuerpo y de su alma (de acuerdo, me ha quedado un poco hortera esto último, pero sabéis lo que quiero decir). Para conseguir un buen tono entran en juego muchos factores, pero sobre todo lo fundamental es cómo se utilice la caja de resonancia que conforma todo el aparato respiratorio. La boca, la lengua, la garganta, la nariz, el diafragma…Todo cuenta. Haced la prueba: tocad una nota con la boca casi completamente cerrada, con la lengua casi pegada a la armónica, sin apenas hueco para el aire, y, sin que cese el sonido, abrid la boca (es decir, bajad la mandíbula, pero sin separar los labios de la armónica, evidentemente) y echad la lengua hacia atrás todo lo que podáis. Suena distinto, ¿verdad?…Pues ahí está la cuestión. Algo esencial para dotar de personalidad el sonido de uno es el control del diafragma: poder mantener una nota sin vibrato, con un vibrato muy corto y rápido, con uno lento, largo y profundo…Todo son matices y todos cuentan a la hora de conseguir un buen tono. La técnica está muy bien, uno puede dominar muchas escalas, tocar a mucha velocidad, ser un gran improvisador…pero si no se tiene un buen sonido, un buen tono, eso no sirve para nada.

¿Cómo consigo una buena amplificación?

Para esto son fundamentales dos cosas: un buen micro y un buen amplificador. “Nos ha jodido Mayo con las flores”, pensaréis…Pues sí, es una perogrullada (una más), en efecto. La cuestión es qué micro y qué amplificador comprar, claro. Bueno, todo depende del tipo de música que queráis hacer. Como de lo único que yo puedo hablar es de blues, al blues me restringiré. En él hay que diferenciar dos tipos de amplificaciones, según el estilo que se quiera tocar: acústico (country blues, delta, Piedmont…) o eléctrico (Chicago, Texas, West Coast…). Cuando uno toca en acústico la idea es que se recoja de la mejor manera posible el sonido natural de la armónica. Ahí no hay trucos: un buen micro de voz y el tono de uno es lo que da un sonido óptimo. Dónde se enchufe el micro depende de la infraestructura del sitio donde se toque. Si es un local pequeño sin mesa de sonido (lo ideal sería que fuera lo suficientemente pequeño y el público lo suficientemente respetuoso como para poder tocar a pelo, si micros ni nada, pero eso sucederá las menos de las veces) o bien se enchufa uno el micro al equipo de voces que se lleve o bien a un amplificador de transistores que dé un sonido limpio. Para esto no van bien los amplificadores de válvulas, porque éstos tienden a saturar un poco, y eso no conviene en este caso. La ecualización debe ser casi plana, si acaso enfatizando un poco la gama media-alta del registro. Como decía, un buen micro de voz es preferible a un micro específico de armónica, precisamente por proporcionar un sonido natural, sin la saturación que dan estos otros micrófonos. Los más utilizados para esto son los Shure SM58 y SM57 (este realmente es un micrófono que se utiliza más, por ejemplo, para sonorizar amplificadores a través de una mesa de sonido, apuntando al cono, pero por el registro que tiene da bastante buen resultado), o sus versiones mejoradas Beta58 y Beta57.

Shure SM58

Shure Beta58

Shure SM57

Shure Beta57

Personalmente creo que la diferencia de calidad entre los SM y los Beta no justifica la diferencia de precio, pero se supone que éstos son mejores. Hay otras muchas marcas: Senheiser, Beyern-Dynamic, Electrovoice, Behringer, AKG…Mi experiencia con ellas es reducida y, en la mayoría de los casos, inexistente, así que no puedo comentar nada de ellos, pero los Shure son unos micrófonos muy utilizados, y la serie 58, bien SM, bien Beta, es hoy en día el estándar en la sonorización de voz.

La amplificación de la armónica en el blues eléctrico da mucho más de sí. Los armonicistas de Chicago en los años 40 y 50 marcaron la pauta del sonido que hoy en día se busca para la armónica amplificada: un sonido grave, profundo, cerrado, oscuro y saturado. Para ello utilizaban amplificadores de válvulas (aún no existían los de transistores) y micrófonos de los que se usaban en centralitas de comunicaciones, como las de los taxis, la policía o las conserjerías de centros públicos para la megafonía. Aquí podéis ver una colección de micros de época Astatic, Shure y Electrovoice, respectivamente.

El uso que le dieron a estos micrófonos provocó que hoy en día dos de ellos se hayan erigido como los estándares en amplificación de armónica y se vendan para este propósito: el Shure Green Bullet y el Astatic JT-30 (que Hohner vende bajo su propia marca como Blues Blaster, con la única diferencia de que la carcasa es azul marino cromado en lugar de negro mate, como la del JT-30).

Hohner Blues Blaster

Shure 520DX Green Bullet

Ambos proporcionan un sonido más saturado, con la diferencia de que en el Astatic la saturación es algo menor, menos “guarro”, por decirlo de alguna forma, y su sonido ligeramente más brillante, con más respuesta en agudos. Existe una modificación del JT-30, el JT-30 Mr. Downchild Custom, cuyo sonido, a pesar de ser parecido al del original, gana algo más en saturación. Otros micros utilizados en el mundo de la armónica amplificada son el Shaker, el Shaker Madcat, el Strnad, o los que fabrica Frank Ruskin, todos ellos adquiribles a través de internet.

Shaker Mic

Shaker Madcat

Strnad Harmonica Pickup

Ruskin Original

El otro elemento fundamental es el amplificador. Hoy en día existen amplificadores diseñados y construidos específicamente para armónica, como el Harp King (el original con seis conos, seis, de diez pulgadas, aunque hay un modelo con cuatro), el Sonny Jr., el Spirit Harp Pro o el JMS Harmonica.

Harp King

Sonny Jr.1

Spirit Harp Pro

Sin embargo, la inmensa mayoría de los armonicistas utilizan amplificadores de guitarra. De ellos los que se llevan la palma son los modelos antiguos de Fender y la reedición del Fender Bassman del 59.

La elección del amplificador es una cosa muy personal, ya que depende del sonido que a uno le guste. En líneas generales se suele convenir en que los amplificadores antiguos o “vintage” son mejores y más duraderos, debido a que no se basan en un circuito impreso, como la mayoría de los de ahora, sino en un circuito electrónico más robusto, con mejores soldaduras y mejor cableado. Se suele decir también que lo ideal para la armónica son los conos de diez pulgadas, frente a los de doce que suelen montar muchos amplificadores de guitarra, pero como decía, esto es una cuestión de gustos.

Fender Bassman59 RI

Fender Twin Reverb de 1968

Hay muchos armonicistas que utilizan un Fender Twin Reverb, que lleva dos altavoces de doce pulgadas. Otros modelos preferidos por los armonicistas son el Fender Champ, el Princeton Reverb, el Super Reverb y los Bassman de los 50 y 60, todos ellos con conos de diez pulgadas, además del mencionado Bassman59 RI (de reissue –reedición-).

Fender Champ de 1968

Fender Princeton Reverb de 1968

Fender Super Reverb de 1969

Un amplificador parecido al Bassman es el Peavy Classic50 4×10, que aunque tiene un sonido bastante bueno y un precio asequible, sobre todo en comparación con el Bassman, no es lo mismo, aunque no deja de ser una buena opción para un presupuesto ajustado, especialmente considerando la dificultad que hay en nuestro país para conseguir material vintage.

Peavey Classic50 4×10.

De lo que fabrica Fender actualmente, aparte del Bassman59 RI y la reedición del Twin Reverb del 65, por un precio más asequible están el Blues Junior o el Hot Rod Deluxe. Como siempre, depende todo de la pasta que uno pueda gastarse, además de que hay que tener siempre presente que un buen amplificador ayuda a conseguir un buen sonido, pero recordad que si uno no tiene un buen tono, no hay ampli que valga…

Una vez que se tiene el amplificador y el micrófono, ¿cómo se consigue ese sonido saturado y oscuro?. A pesar de las guías que se puedan dar, la única verdad es la que uno encuentra…Hay que experimentar con el ampli, con el micro, con todo…Variar la forma de coger el micro, la separación con la armónica, el sellado que las manos hacen en torno al micro y la armónica (cuanto más hermético sea el sellado y más se aleje la armónica del micro, más opaco y cerrado será el sonido), la ecualización del amplificador…Todo ello contribuye. Como norma general, en el amplificador deben tenerse los graves altos (yo los pongo en torno a 8 sobre 10) y los agudos bajos (2 sobre 10). No sabría decir exactamente qué hacer con los medios, si el amplificador tiene control para ellos (ninguno de los míos lo tiene), pero desde luego no conviene que su presencia destaque ni que estén ausentes completamente. Si el amplificador tiene reverb, es recomendable que no esté muy alta (entre 2 y 3 sobre 10 está bien). El Bassman, por ejemplo, no tiene reverb. Si el amplificador tiene volúmen general y volumen del canal, tened en cuenta que el volumen de canal aporta más saturación que el general, puesto que actúa sobre las válvulas de potencia, mientras que el general lo hace sobre las de preamplificación. Hay que tener mucho cuidado también con los micros de armónica porque se acoplan muy fácilmente. Esto de acoplarse se llama más correctamente “retroalimentación” (feedback, en inglés), y es un fenómeno que consiste en que si el micrófono está apuntando hacia la fuente de sonido por la que se amplifica (osea, los altavoces), el micro recoge su propio sonido, que a su vez es amplificado y recogido de nuevo más alto por el micro…Eso produce esos típicos pitidos rompetímpanos tan característicos, y los micrófonos de armónica, como saturan más el sonido que los de voz, son más propensos a este tipo de problemas.

¿Cómo se afina una armónica?

Pues sí, una armónica se puede afinar, entre otros muchos ajustes que se le pueden hacer. Si hay que afinar una armónica es porque una o más lengüetas están desafinadas, es decir, suenan fuera de tono. El principio básico de la afinación es el siguiente: si se quiere subir el tono de una lengüeta se le debe quitar metal de la parte libre, de la que vibra, mientras que si se quiere bajar el tono, debe quitársele por la parte del remache que la une a la placa metálica. Antes de explicar cómo hacer esto, voy a contar por qué es así. La lengüeta vibra a una determinada frecuencia, que es la que a través de nuestro oido, nosotros percibimos como un determinado sonido, y cuanto más rápido vibre la lengüeta, mayor será la frecuencia, y por tanto más agudo el sonido. Si la lengüeta pierde peso en la parte libre vibrará a mayor velocidad, luego subirá el tono, mientras que si pierde peso en la parte remachada, la parte libre, comparativamente, será más pesada, con lo que le costará más vibrar, lo hará a una menor frecuencia y su tono bajará. Una vez que sabemos por qué tenemos que hacer lo que tenemos que hacer, veamos cómo hacerlo. Tanto Hohner como Lee Oskar venden kits de reparación y mantenimiento de armónicas, pero la verdad es que no merece la pena gastarse la pasta que piden por algo que se puede hacer perfectamente con un par de destornilladores y una lima de uñas. Lo primero es quitar la cubierta de la placa correspondiente a la lengüeta que esté desafinada. Si la armónica es de las que vienen ensambladas con tornillos, necesitaréis un destornillador de estrella, y si es de las que vienen con remaches basta con hacer palanca en varios puntos cercanos a los remaches para que la cubierta se desprenda con facilidad. Bien. Si la lengüeta desafinada es de aspirado la cosa es más fácil, puesto que veréis que las lengüetas están montadas por la parte de fuera de la placa.

De lo que se trata es de levantar un poco la lengüeta, por ejemplo colocándole un destornillador plano finito o una placa de metal debajo, y, bien limar, bien rascar con una lezna, la parte correspondiente de la lengüeta: la libre si queremos subir el tono o la del remache si queremos bajarlo. Obviamente esto debe hacerse con cuidado de no dañar ni la lengüeta en reparación, ni ninguna de las adyacentes. Lo mejor es probar primero con alguna armónica vieja que ya esté desechada.

Subiendo el tono*

Bajando el tono*

Si la lengüeta desafinada es de soplado, cuando se quita la cubierta de arriba para descubrir las lengüetas, uno se da cuenta de que éstas están fijadas por la otra parte de la placa, es decir, hacia el interior de la armónica. Tenemos entonces dos opciones. La primera es desmontar la placa del peine y proceder de forma análoga a la anteriormente descrita.

Levantando la lengüeta*

La otra consiste en introducir un destornillador plano finito, o herramienta semejante, por el agujero desafinado y levantar la lengüeta de arriba hasta que sobresalga por encima del hueco de la placa. De esa forma se puede acceder a ella con la lima o la lezna y llevar a cabo las mismas operaciones que en el caso anterior.

*Por cortesía de Steve Baker, The Harp Handbook ©1989

Obviamente en esta situación será más fácil subir el tono que bajarlo, por cuestiones de accesibilidad, pero también hay que tener en cuenta que por lo general las lengüetas suelen desafinarse hacia abajo, es decir, su tono se vuelve más grave, con lo cual, la afinación más corriente será la de agudizar el tono.

Hay que tener en cuenta también que durante el proceso pueden producirse pequeñas alteraciones involuntarias que conduzcan a que la lengüeta no suene o lo haga con dificultad, como por ejemplo la desviación horizontal de la lengüeta en la placa (en cuyo caso lo único que hay que hacer es centrarla en el agujero) o el excesivo incremento o disminución del ángulo de apertura de la lengüeta con respecto a la placa (fácil de reajustar de forma evidente: aumentándolo si ha disminuido o disminuyéndolo si ha aumentado). También hay que tener en mente que cuando una armónica se desafina al cabo de cierto tiempo es debido a su uso, y la pérdida de tono vendrá dada por la fatiga del metal que compone la lengüeta. Si la fatiga aún no es total, afinando la lengüeta se conseguirá que vuelva a su tono correspondiente, pero es muy probable que al cabo de relativamente poco tiempo vuelva a desafinarse, y tanto menor será el tiempo que dure afinada cuanto mayor sea la fatiga del metal. En última instancia, si la lengüeta ha pasado a mejor vida, no hay afinación que valga. O bien se sustituye la lengüeta, o bien la placa, o bien la armónica.

¿Qué es eso de las “posiciones”?

Posiblemente habréis oido alguna vez eso de “toca en segunda posición”, o puede que os hayan contado vagamente que no se toca con una armónica que esté en el mismo tono que la canción que se esté tocando…Lo cierto es que existen muchas formas de tocar, según el tono en el que se haga. Esto de las formas de tocar se llaman “posiciones”, y decir que se toca en una u otra posición simplemente denota el hecho de estar tocando en un determinado tono con una armónica afinada en otro cierto tono. Por ejemplo, tocar en Sol con una armónica en Do es hacerlo en segunda posición, tocar en La con una armónica en La es hacerlo en primera, tocar en Do con una armónica en Si bemol es hacerlo en tercera…A pesar de parecer complicado es muy sencillo. Todo se basa en lo que se ha dado en llamar el círculo de las quintas:

Observad que la disposición de las notas en el círculo en el sentido de las agujas del reloj es avanzando una quinta (es decir, tres tonos y medio, o siete semitonos) en cada paso. Supongamos que tenemos una armónica en Do. Se dice que tocamos en primera posición cuando lo hacemos en el mismo tono de la armónica, en este caso, en Do. Tocar en segunda posición consiste en tocar en la quinta del tono en el que tenemos la armónica, en este caso, en Sol. Tocar en tercera posición se define como tocar en la segunda del tono en el que está afinada nuestra armónica, en Re, en este caso. Pero obsérvese que Re es a su vez la quinta de Sol. Si continuamos así, vemos que tocar en cuarta posición es tocar en La, que es la quinta de Re, tocar en quinta es hacerlo en Mi, que es la quinta de La, y así sucesivamente hasta completar las doce posiciones existentes aumentando de quinta en quinta. Y lo mismo que se ha dicho para una armónica en Do es aplicable a cualquier otra afinación. No hay más que mirar el círculo para saber, para cualquier armónica, a qué posición corresponde tocar en cada tono posible.

Muy poca gente es capaz de tocar con fluidez en las doce posiciones, puesto que hay que dominar completamente toda la técnica de bendings, overblows y overdraws, pero teóricamente es posible hacerlo. Hay tres posiciones que son las más utilizadas, las tres primeras, y de éstas es la segunda posición la que con mucha diferencia se emplea en los discos de blues, rythm’n’blues y rock que oigáis en los que aparezca una armónica. La distribución de notas en la armónica diatónica hace posible que tocar en estas tres posiciones, en especial en la segunda, haga óptimo el aprovechamiento de los bendings, que es lo que todo el mundo debe saber manejar con soltura, a la vez que se puedan utilizar acordes, tanto soplados como aspirados para apoyar la melodía. Cualquier buen libro en el que se enseñe técnica de armónica os contará cómo tocar en cada una de estas tres posiciones.

¿Qué discos me compro?

Bueno, ésta es una pregunta comprometida, porque cada cual tiene sus gustos, y aunque no voy a dar una lista de discos, sí creo conveniente citar algunos nombres que deben ser imprescindibles en la discoteca de cualquiera que pretenda tocar blues con la armónica. Evidentemente no están todos los que son, porque tampoco es procedente ser exhaustivo, sino dar unas indicaciones sobre qué camino seguir, pero sí son todos los que están. Veamos, como decía antes, el sonido de la armónica amplificada se definió en los años cuarenta, en Chicago. Cualquier armonicista de esta época será interesante de escuchar, pero hay dos individuos que sentaron cátedra: Big Walter “Shakey” Horton y Little Walter Jacobs. Cualquier disco que se compre de ellos será una inversión inmejorable. De la misma época, pero con un sonido más natural, sin amplificar, es Rice Miller, también conocido como Sonny Boy Williamson II. Éste es otro genio de la armónica de blues del que hay que tener algo. Es la máxima expresión de cómo se puede decir mucho con poco, de cómo con una sola nota se pueden poner los pelos de punta…Estos tres son imprescindibles. Hay otros de la misma escuela cuya audición y estudio no es ningún desperdicio, más al contrario: James Cotton, Junior Wells, Carey Bell, George “Harmonica” Smith…Y luego los armonicistas de blues rural, esenciales para dominar técnicas de acompañamiento y efectos de lengua y manos: John Lee “Sonny Boy” Williamson I, Sonny Terry, Slim Harpo (bueno, éste no es exactamente blues rural, sino más bien blues de los pantanos de Louisiana, pero se le puede meter por aquí), Hammie Nixon, Joe Hill Louis, Hotshot Love, Jazz Gillum, DeFord Bailey o Willie Nix…

Hoy en día hay muchísimos armonicistas de blues muy buenos: Jerry Portnoy, William Clarke (éste se murió hace poco, pero es coetáneo del resto de los que se mencionan aquí), Rod Piazza, Rick Estrin, Billy Branch, Charlie Musselwhite, y muchos, muchos más…Pero la primera referencia deben ser los del párrafo anterior. Tiempo habrá para aumentar la discoteca.

Supongo que debería hablar un poco de algo que no sea blues…Por citar algunos nombres, Howard Levy, Toots Thielemans, Douglas Tate, Larry Adler, Greg Szlapczynski, Jean-Jacques Milteau, Robert Bonfiglio o el español Antonio Serrano son una mínima representación de lo que la armónica es capaz en estilos musicales distintos del blues, como el Jazz, la Bossa Nova o la música clásica.

¿Cómo aprendo a tocar la armónica?

La pregunta del millón (o una de ellas…). Sin duda alguna lo mejor es encontrar a alguien que pueda enseñar los primeros pasos. La armónica es un instrumento en gran parte autodidacta, pero creo que una guía al principio ahorra muchísimo tiempo. Los libros están bien, pero nada mejor que una persona física para ver y oir a la vez cómo se hacen las cosas que deben hacerse. Si no tenéis forma de encontrar un buen profesor, estos son algunos libros y autores cuya lectura merece la pena.

“The Harp Handbook”. Steve Baker (1989, última edición que conozco de 1999), Wise Publications, a division of Music Sales. Un gran libro. Un compendio sobre lo que hay que saber de la armónica además de una buena guía para dar los primeros pasos.

“Blues Harp”. Tony “Little Sun” Glover I (1967), Oak Publications. Tiene el regusto de lo antiguo bien hecho.

Como yo no tengo más libros no puedo comentar nada más, pero lo cierto es que hay una cantidad importante de material de aprendizaje, como siempre, complicado de encontrar en las tiendas del país, pero fácilmente accesible a través de internet. A continuación va una lista de autores que se han dedicado a poner por escrito sus conocimientos y enseñanzas armoniqueras, y cuyas obras podréis encontrar fácilmente en tiendas virtuales:

– Tom Ball (tiene un libro muy guapo sobre Sonny Terry)

– David Barret

– Phil Duncan

– Kim Field

– Jon Gindick

– David Harp

– Richard Hunter (un buen libro sobre jazz con la armónica)

– Jerry Portnoy (un curso con libro + 3 CDs, nada menos)

– Douglas Tate (cromática de la buena)

¿Dónde encuentro información en internet?

Como no podía ser de otra forma, daré por concluidos mis desvaríos con una lista de links interesantes para saciar durante un tiempo curiosidades weberas relacionadas con la armónica. Muchas de estas páginas tienen a su vez links a otras muchas más, con lo que os podéis tirar muuuuucho tiempo navegando por ahí mientras descubrís cosas nuevas…

http://www.hohnerusa.com, http://www.hohner.de Obviamente, páginas de armónicas Hohner.

http://www.leeoskar.com Página de armónicas Lee Oskar.

http://www.heringharp.com Página de armónicas Hering.

http://www.huang-inc.com Página de armónicas Huang.

http://www.suzuki-music.co.jp Página de armónicas Suzuki.

http://www.customharmonicas.com Página de los tres “luthiers” de armónica más reconocidos.

http://www.harmonicaspain.com Página en español bastante completa, con artículos sobre técnica y metodología, un montón de links a páginas de armonicistas en la red y la posibilidad de suscribirse a la lista de correo sobre armónicas en español.

http://www.angelfire.com/tx/myquill Esta página es muy buena. Trata muchos temas sobre la armónica. Muy instructiva. Merece la pena perder algo de tiempo en ella.

http://www.harmonica.org/virtharp.htm Fundamental. La web oficial de la mejor lista de correo sobre armónica. La sección de consulta de mensajes antiguos permite resolver muchísimas dudas, planteadas previamente en la lista.

http://www.planetharmonica.com Id a la sección en inglés, que tiene más contenidos.

http://www.harpinon.demon.co.uk Cosas varias sobre armónica. Venden un curso que, francamente, no sé qué tal está.

http://www.harmonicamasterclass.com Un poco de todo.

http://www.harmoniblues.com También variadita, centrada en el blues.

http://www.kharps.com Para comprar armónicas y demás cosas relacionadas.

http://www.joesvirtual.com Más para comprar.

http://www.harpdepot.com Y otra…Si no recuerdo mal, ésta tenía unos precios bastante interesantes.

http://www.harmonicas-direct.com Otra tienda de armónicas. Ésta en UK. Según cómo estén la libra y el dólar tendrá ventaja respecto a las americanas.

http://www.themusicdepot.net Venta de amplis y componentes vintage.

http://www.ampwares.com/ffg/index.html Una página cojonuda para informarse sobre amplis Fender a válvulas, con todos los modelos desde que se empezaron a fabricar

http://www.oaktreeent.com/microphones.htm Venta de micros antiguos.

http://www2.prestel.co.uk/r-w-rinn/harplink.htm Links de páginas relativas a micros y amplificación.

http://www.harpmaster.com Página oficial de Jerry Portnoy, un armonicista muy bueno (estuvo en la banda de Muddy Waters y grabó con Clapton el From the Cradle, por ejemplo). Tiene a la venta un método del que he oido hablar bastante bien. Lo malo es que es caro.

http://www.harmonicalessons.com Su propio nombre lo dice todo…

Y como despedida y cierre…

Otro articulo sobre Micrófonos de Armónica por David García
http://harmonicaspain.es/microfonos-armonica-david-garcia

Aprendiendo el Overblow o Supersoplado por Chris Michalek

Aprendiendo el Overblow o Supersoplado por Chris Michalek

-¿Qué es el overblow?

Los overblow se pueden considerar como bends soplados en los agujeros 1, 4, 5 y 6 y los overdraw o superaspirados como bends aspirados en los agujeros 7,9 y 10. La razón por la que no se consideran bends o notas dobladas es porque no se doblan bajando uno o más semitonos hacia una nota inferior sino que se pasa a una nota más alta. La acción y la técnica son muy similares al bending o doblado.

-¿Quieres aprender overblows?

Los overblow no son más difíciles de conseguir que los bends soplados. Hay quien dice que los overblow no son naturales y no deberían usarse. Son tan naturales como el bending. Todas las notas de los agujeros 1 al 6 pueden producir un overblow. Los más comunes se producen en las notas sopladas de los agujeros 1,4, 5 y 6.

-¿Quién inventó los overblows?

Nadie sabe realmente quién tocó el primer overblow, pero la denominación fue ideada por Howard Levy. Se han oído overblows en grabaciones desde 1927. Howard Levy fue el primero en experimentar con ellos y en encontrar todas las notas que faltaban en la armónica. Fue el primero en usarlos sistemáticamente en un estilo particular de tocar. **archivo de sonido a incluir próximamente**

-¿Qué armónicas funcionan mejor?

Armónicas a medida y personalizadas por:
Joe Filisko
Richard Sleigh
Jimmy Gordon

http://www.customharmonicas.com

Todos los modelos de Hohner y Hering funcionan bien gracias al perfil de las lengüetas. Lee Oskar, Huang, Suzuki, y otras armónicas de procedencia oriental no funcionan bien para el overblowing. Tienen lengüetas más anchas y de menor grosor que chirrían bajo la presión.

CÓMO HACERLO.

Coge una armónica en Bb o C y practica el bending soplado en el agujero 8.
Debes tener completamente controlado tocar y hacer el bending en este agujero. En una armónica en C las notas son E y Eb.

Ejercicio: **archivo de sonido a incluir próximamente**

1. 8 soplado 8 doblado 8 soplado 8 doblado
2. 8 doblado 8 soplado 8 doblado 8 soplado
3. 8 doblado mantenido
4. 8 doblado mantenido añadiéndole vibrato
5. Encontrar la nota entre E y Eb y mantener **archivo de sonido a incluir próximamente**

Cuando puedas hacer esto estarás listo para pasar al siguiente paso. Sitúate en el agujero 6 e intenta hacer lo mismo que has hecho en el bending soplado del 8. Lentamente trata de doblar soplando el agujero 6. Cuando lo hagas bien oirás la nota comenzar a doblarse bajando su tono para a continuación subir 3 semitonos (con una armónica en C el 6 soplado es un G, y el overblow un Bb). **archivo de sonido a incluir próximamente**

Esta técnica es prácticamente igual que la del bending soplado. No te excedas soplando. Dale fuerza con delicadeza para conseguir la nota, pero una vez más, abstente de soplar demasiado fuerte o la nota no saldrá. Recuerda que es la lengüeta de aspirado la que suena en realidad. Exactamente como en un bending es la lengüeta de soplado la primera que suena para “transferir” a continuación el sonido a la lengüeta de aspirado a medida que la de soplado va actuando como una válvula de cierre.

Puede que tengas que ajustar la posición de la lengua hasta encontrar el punto adecuado. En mi caso la parte media de la lengua se mueve hacia el paladar cuando hago un overblow, aunque esto no tiene por qué funcionar contigo, ya que he hablado con otros que sitúan la lengua en una posición distinta a la mía. Lo mejor es experimentar.

Cuando puedas hacer el overblow en el agujero seis inténtalo en una armónica en otro tono, es decir, pasando de una en C a una en B y luego a una en Bb. Cuando consigas hacer el overblow de manera consistente en otra armónica inténtalo con el overblow del cinco en otras armónicas. La acción es la misma, pero la colocación de la lengua es distinta. Deja caer la mandíbula ligeramente y mueve la lengua hacia atrás. El overblow debería aparecer. Y lo mismo es aplicable al overblow del 4. **archivo de sonido a incluir próximamente**

TRUCOS:

Inténtalo aspirando primero para a continuación atacar el overblow.

Quita las cubiertas exteriores y tapa la lengüeta de soplado en el 6. Intenta hacer un bending soplado. La única nota que sonará será el overblow.

Inténtalo disminuyendo la apertura de la lengüeta respecto a la placa. Utiliza un clip para ir poco a poco acortando el margen entre ambas. Yo encuentro que la posición óptima es con la lengüeta situada por encima de la placa a una distancia igual a su grosor (al de la lengüeta). Cuanto menor sea el hueco más respuesta tendrá la lengüeta. Con un hueco pequeño la lengüeta es más proclive a atascarse y no sonará tan alto.

Con un hueco mayor la lengüeta se puede soplar más fuerte, pero se obtiene menos respuesta. Lo mejor es experimentar con una armónica vieja hasta encontrar la apertura que mejor se ajuste a tu estilo de tocar.

El temido overblow del primer agujero. Ésta es una de las notas mas complicadas de utilizar y mantener. La mayoría de los armonicistas que conozco usan esta nota principalmente como nota de paso. **archivo de sonido a incluir próximamente**

Inténtalo aspirando en el agujero uno e inmediatamente después intenta conseguir el overblow. Puede llegar a sonar durante un segundo. Para mantener la nota necesitas bajar la mandíbula todo lo que puedas sin que la boca deje de sellar la armónica, y la lengua debe estar lo más atrás posible en la garganta. A algunos esto les puede activar el reflejo de las arcadas, al menos así me pasó a mí. Con el tiempo aprendí a controlarlo y ahora puedo mantener la nota cuando lo necesito. Realmente esta nota necesita mucha práctica. ¡Buena suerte! **archivo de sonido a incluir próximamente**

Overdraws ** archivo de sonido a incluir próximamente**

Los overdraws son sólo necesarios en los agujeros aspirados 7, 9, 10. Estos no son mas difíciles que los overblows. Mis estudiantes lo han encontrado más fácil pensando en ellos como el overblow al revés que más bien el bending aspirado. La acción es diferente del bending aspirado.

Cuando tocando overblows mi lengua parece descansar tumbada en mi boca y mi mandíbula retrocede hacia mi garganta NO abajo – ATRÁS. La acción es similar a chupar sobre una paja obstruida. (Como un batido de leche de fresa cuando tiene un pedazo grande de fresa en la paja) Comienzan sobre el canal 7 aspirado y el trabajar hasta 10 aspirado. Puede tener el hueco en tu armónica para hacer esas notas salir.

Utilización del Overblow en música
Si eres un músico de blues lo que principalmente toca es en la segunda posición, canal 6 overblow será lo más útil. ** archivo de sonido a incluir próximamente**

Ejemplo:

B6 OB6 B7 D8 B9 **archivo de sonido a incluir próximamente**
OB6 B6 D5 D4 Db3 D2 **archivo de sonido a incluir próximamente**
D2 Dbb2 Db3 D4 D5 B6 B7 OB6 **archivo de sonido a incluir próximamente**

Con canal 7 overdraw
OD7 B7 OB6 B6 D5 D4 B6 **archivo de sonido a incluir próximamente**

Escalas:

G de F de E de D de C una C de B
Db Eb F de F# Ab Bb C Db
Eb G de F Ab Bb D de C Eb
G de F una F de E de D de C Bb
Etc. … **archivo de sonido a incluir próximamente**

-¿A el que maestros de overblowers deberás escuchar?

Howard Levy
Carlos del Junco
Sandy Weltman
Michael Peloquin
Jorge Brooks
Allen Holmes
Adán Gussow
Randy Cantante
Larryigen Eisenberg
David Pinzino
Turco de Miguel
Rosco Selley

Overblows disponibles sobre una clave de C en la Armónica Diatónica

Traducido y usado con el consentimiento del autor. Derechos de autor: Chris Michalek